Choreografiertes Tanzen

Der Wandel zu einer neuen Kunstform.

Alle bisher beschriebenen Tänze fallen unter die Überschrift "konventionell" - das heißt, sie bestehen aus einem einzigen Satz von Schritten und Bewegungen, die während der gesamten Länge des Tanzes immer wieder wiederholt werden sollen. Obwohl es viele verschiedene Arten von Tänzen gab, die zu einer Vielzahl von Schritten und Bewegungen führten, musste ein Tänzer nur einen einzigen Satz von Schritten für einen Typ lernen. Sobald die grundlegenden Schritte gelernt waren, konnten sie auf alle Tänze dieses Typs angewendet werden (zum Beispiel konnte ein Saltarello-Schritt auf alle Saltarello-Kompositionen getanzt werden). Dies bedeutet nicht, dass das Tanzen statisch war; wie die Beschreibungen von "Il sapporitto" und Roman de la Rose Die Tänzer konnten allen grundlegenden Schritten Variationen und andere Körperbewegungen hinzufügen, um jedem Anlass ein kreatives Element zu verleihen. Alle diese konventionellen Tänze wurden während des gesamten Mittelalters und bis in die Renaissance hinein praktiziert, aber irgendwann Mitte bis Ende des XNUMX. Jahrhunderts erschien eine neue Ebene des Tanzens, die in den kommenden Jahrhunderten zu einer eigenen Kunstform aufblühen würde: choreographierter Tanz, der direkte Vorfahr des klassischen Balletts. Das Konzept des choreografierten Tanzes unterscheidet es in vielerlei Hinsicht vom herkömmlichen Typ. Auf technischer Ebene ersetzt es die spontanen Wiederholungen einer kleinen Anzahl von Tanzschritten durch eine studierte und geprobte Einzelsequenz. Anstatt nur eine bestimmte Art von Tanz zu sein (zum Beispiel ein Weihnachtslied oder ein Estampie), war jeder choreografierte Tanz ein Unikat. es trug seine eigene Reihenfolge von Schritten, die von keinem anderen Tanz geteilt wurde.

Schwierigkeit und Ausführung.

Auf sozialer Ebene trennten choreografierte Tänze die Adligen von den unteren Klassen. Dies war eine raffinierte künstlerische Ausarbeitung, die sich auf höfische Kreise beschränkte, in denen die Adligen die Zeit hatten zu proben und die Mittel, um einen Tanzmeister (einen Choreografen) zu beschäftigen, der die Tänze entwarf und die Tänzer unterrichtete. Die choreografierten Tänze waren kompliziert und erforderten eine ernsthafte Konzentration der Darsteller, die sich eine komplexe Reihe von Schritten sowie Arm- und Körperbewegungen und Bodenmuster merken mussten, die für jeden Tanz spezifisch waren. Neben der Beherrschung aller Bewegungen bestand die schwierigste Aufgabe für jeden Tänzer darin, die Bewegungen mit Anmut und Eleganz ausführen zu können und die Aufgabe jederzeit mühelos erscheinen zu lassen. Wöchentliche Übungsstunden waren notwendig, damit die Tänzer die Schritte richtig ausführen und körperlich beweglich bleiben konnten. Vieles davon wurde unter Anleitung eines Tanzlehrers gemacht.

Soziale Anzeige.

Der bemerkenswerteste Unterschied zwischen den choreografierten Tänzen und dem anderen Repertoire war jedoch seine Funktion. Die choreografierten Tänze waren nicht etwas, das jeder im Raum gleichzeitig aufführte; Sie wurden von zwei, drei oder in Italien von bis zu zwölf Tänzern getanzt, je nach Tanz, während alle anderen zuschauten. In Wirklichkeit handelte es sich also um Aufführungen, die nicht weit vom Theater entfernt waren. Die edlen Mitglieder des Hofes stellten sich vor ihren Gleichen aus und zeigten ihre persönliche Anmut und Eleganz. Nicht zuletzt war das Kostüm zu sehen, da nicht nur darauf geachtet wurde, wie sich die Tänzer im Tanz bewegten, sondern auch auf ihre eleganten Kleider und Schmuckstücke, die ausgewählt wurden, um das Image von Reichtum und Geschmack zu stärken. (Die meisten Berichte über das Tanzen aus dieser Zeit befassen sich tatsächlich mit dem, was die Tänzer trugen und wie elegant - oder unelegant - sie sich präsentierten, ohne jedoch Einzelheiten über die Tanzschritte zu berichten.) Der höfisch choreografierte Tanz daher fungierte als Demonstration sozialer und politischer Macht; Es war eines der vielen Werkzeuge, die von den Reichen und Mächtigen eingesetzt wurden, um ihre Position zu etablieren, aufrechtzuerhalten und bekannt zu machen.

Quellen

Ingrid Brainard, "Bassedanse, Bassadanza und Ballo im 15. Jahrhundert", in Tanzgeschichtliche Forschung: Perspektiven aus verwandten Künsten und Disziplinen. Ed. Joann W. Kealiiohomoku, Ausschuss für Tanzforschung (New York: Dance Research, 1970): 64–79.

Guglielmo Ebreo von Pesaro, Übe deine Kunst Tripudii; Über die Praxis oder Kunst des Tanzens. Kapitel 3. Ed. und trans. Barbara Sparti (Oxford: Clarendon Press, 1993).