Die Mechanik der Musik: Skalen und Abhandlungen

Die mittelalterlichen Skalen.

Die mittelalterlichen Musikskalen wurden Modi genannt, die durch ihre Bereiche, die Position der Halbschritte, die wichtigen Tonhöhen zu Beginn und am Ende der Komposition und den "Rezitationston" - die Tonhöhe, die für die Rezitation in Psalmen verwendet wird - beschrieben wurden (siehe Plainchant, Psalmen). Während des Mittelalters gab es acht Modi, die in vier Paare gruppiert waren (diese wurden im XNUMX. Jahrhundert auf sechs Paare erweitert und im XNUMX. Jahrhundert auf zwei - die derzeit verwendeten Dur- und Moll-Skalen - reduziert). Jeder Modus war unter seiner Nummer und unter einem griechischen Namen bekannt. Die gewählten Namen stammten von antiken griechischen Stämmen, von denen angenommen wurde, dass sie den emotionalen Charakter dieses Modus veranschaulichen. Obwohl das System der Modi ursprünglich erfunden wurde, um monophone Musik zu beschreiben und zu steuern, wurde es auch auf das polyphone Repertoire angewendet. Bei beiden Techniken diktierten modale Überlegungen viele Entscheidungen bezüglich der Auswahl von Noten und Harmonien, die an wichtigen strukturellen Stellen in den Kompositionen platziert werden sollten. Die Bedeutung des Verständnisses der Modi für einen mittelalterlichen Komponisten und Interpreten zeigt sich darin, dass eine detaillierte Diskussion der Modi einen Hauptteil der meisten theoretischen Abhandlungen dieser Zeit ausmachte.

Ein Beispiel für musikalische Ausleihe

Einführung: Das Liebeslied "Se la face ay pale" ("Wenn mein Gesicht blass ist ...") wurde ursprünglich von Guillaume Dufay für den Savoyer Hof in den Jahren 1434–1435 geschrieben. Später verwendete er die Tenorlinie desselben Liedes als Grundlage für eine ganze Messe. Die folgenden Beispiele zeigen den Eröffnungsabschnitt des Liebesliedes oder Song, gefolgt von einem Auszug aus Gloria wobei die Tenorlinie der Masse (dritte Linie nach unten) von der Tenorlinie des Chansons (die Linie unten) entlehnt ist.

Theoretische Abhandlungen.

Ein Großteil unseres Verständnisses des Denkens mittelalterlicher Musiker, insbesondere von Komponisten, stammt aus theoretischen Abhandlungen, Lehrbüchern, die Einzelheiten über die Praxis des Musikschreibens enthalten. Die Abhandlungen sind im Großen und Ganzen rückwirkend, da sie in der Regel die aktuelle Praxis berichten oder erläutern, anstatt etwas Neues vorzuschlagen. Die Theoretiker, viele von ihnen Universitätsprofessoren und / oder Mönche, beobachteten die Veränderungen, die sich im Laufe der Jahrhunderte entwickelten, und versuchten, sie zu erklären (oder in einigen Fällen die Veränderungen zu verurteilen). Indem wir uns ansehen, welche Themen ihre Aufmerksamkeit auf sich gezogen haben, können wir die Überarbeitungen der Technik verfolgen, die den verschiedenen Kompositionspraktiken zugrunde liegen.

Praktische versus intellektuelle Theorie.

Wenn Menschen im Mittelalter über Musik in gelehrten Schriften diskutierten, machten sie eine klare Trennung zwischen der intellektuellen Betrachtung der Kunst und dem Praktischen, wobei das Praktische (dh die Musik selbst) größtenteils den Praktizierenden überlassen wurde und normalerweise als unwürdig angesehen wurde intellektuelle Diskussion. Während des gesamten Zeitraums wurde Musik als eine der sieben freien Künste aufgenommen, die in der quadrivium (vier Wege) neben den mathematischen Künsten der Arithmetik, Geometrie und Astronomie, anstatt in der Trivium (drei Wege) mit den verbalen Künsten der Grammatik, Rhetorik und Logik. Seine Platzierung gibt die Art und Weise an, in der Musik angesprochen wurde: Anzahl, Verhältnis und Proportionen waren tatsächlich das, was unter der Überschrift des Themas berücksichtigt wurde, basierend auf der Untersuchung vibrierender Körper (zum Beispiel durch Teilen einer vibrierenden Saite in der Mitte) vibrieren mit der doppelten Geschwindigkeit, dem Verhältnis von 2: 1). Später beeinflussten diese Verhältnisse die Berücksichtigung perfekter und unvollständiger Intervalle. Eine andere, philosophischere oder theologischere Überlegung der Musik bestand darin, sie in drei Bereiche zu unterteilen: weltliche Musik, menschliche Musikund Eine Instrumentalmusik. Weltliche Musik (Musik der Sphären) bezog sich auf die Harmonie, die durch die Bewegung der Himmelskörper verursacht wird. Menschliche Musik (Musik des Menschen) war die Harmonie im menschlichen Körper, die mit dem Gleichgewicht der physischen Elemente zu tun hatte. Eine Instrumentalmusik (Instrumentalmusik) bezieht sich auf tatsächliche Klänge, die entweder gesungen oder von Instrumenten erzeugt werden. Diese Aufteilung der Musik wurde bis zu einem gewissen Grad in den meisten mittelalterlichen Abhandlungen diskutiert, die im späten dreizehnten Jahrhundert endeten, als Mundana und Mensch wurden schließlich aus der Diskussion gestrichen, nachdem Johannes Grocheio ihn abgelehnt hatte Der Musik (um 1300), eine der frühesten Abhandlungen, die sich auf das praktische Detail der Musik konzentrieren, und die erste, die sich mit weltlicher Musik einschließlich Tanz befasst.

Harmonie und Intervalle.

Praktische Theoretiker während der Karolingerzeit (XNUMX. bis XNUMX. Jahrhundert) beschäftigten sich häufig mit den Modi (siehe nächste Seite) und versuchten, die Praxis zu regulieren und zu erklären

MITTELALTERLICH
Modi

Die mittelalterliche Methode zur Beschreibung einer Melodie bestand darin, sie nach der verwendeten Skala zu klassifizieren - ihrer Verteilung von Schritten und Halbschritten, ihrem endgültigen und ihrem rezitierenden Ton. Keiner der mittelalterlichen Modi entspricht genau einer der heute verwendeten Dur- und Moll-Tonleitern. Die Abfolge von Schritten und Halbschritten, die die Modi unterscheiden, kann am einfachsten beschrieben werden, indem sie mit den weißen Noten der Klaviertastatur in Beziehung gesetzt werden.

bestimmte Gesänge, die nicht genau zum System passten. Ab dem späten neunten Jahrhundert beginnen Abhandlungen mit der Diskussion über Polyphonie. Sie erklären die Art und Weise, wie verschiedene Noten in Harmonie miteinander erklingen können, und klassifizieren Intervalle (den Abstand zwischen der Tonhöhe zweier Noten) gemäß den mathematischen Verhältnissen ihrer Noten als mehr oder weniger harmonisch Vibrationsgeschwindigkeiten. Diejenigen Intervalle, deren Verhältnisse in einfachen Zahlen ausgedrückt werden konnten, wurden als "perfekt" bezeichnet (Oktave [Abstand von acht Noten auf der diatonischen Skala, wie in C zu C], 2: 1; Fünftel [Abstand von fünf Noten, als in C bis G] 3: 2 und viertens [ein Abstand von vier Noten, wie in C bis F] 4: 3); Alle anderen Notenkombinationen wurden in unterschiedlichem Maße als dissonant angesehen. Die Klassifikationen wurden im weiteren Verlauf des Mittelalters weiter überarbeitet, wobei die vierte ihren Status als bevorzugtes Intervall verlor, während die unvollkommene dritte immer mehr akzeptiert wurde. Während des gesamten Zeitraums untersuchten die Abhandlungen, wie Harmonien verwendet werden können, um Kompositionen zu formen und zu steuern.

Theorien der Notation.

Nachdem sich die Polyphonie im 1260. Jahrhundert gut etabliert hatte, war das nächste neue Thema in den Abhandlungen die Notation, ein Thema, das Theoretiker bis heute beschäftigt. Die früheste Notation erkannte nur drei tatsächliche Werte: kurz, lang und lang, was der Wert der beiden anderen Noten zusammen war. Das System erlaubte eine gewisse Freiheit bei der Zuweisung von Werten zu diesen Noten, was dazu führte, dass bestimmte Situationen etwas mehrdeutig waren. Einer der frühesten Theoretiker, der sich mit dem Problem der Mehrdeutigkeit befasste, war Franco von Köln, der XNUMX schrieb Messtechnik des Singens ("Die Kunst des gemessenen Liedes"), die jeder Notenform eine bestimmte Dauer zuweist. Der nächste Schritt in diese Richtung bestand darin, dem System neue Flexibilität zu verleihen, indem die vorhandenen Notizen unterteilt wurden. Dies ist das Hauptthema von drei verschiedenen Abhandlungen, die zu Beginn des XNUMX. Jahrhunderts in Paris verfasst wurden: Ars nova ("Die neue Kunst") einmal Philippe de Vitry gutgeschrieben, Kunst neue Musik ("The New Musical Art") von Johannes de Muris und Glasmusik ("Musikalische Reflexion") von Jacques de Liège. Die von ihnen beschriebenen Systeme sind hochentwickelt und ermöglichen die genaue Notation winziger rhythmischer Variationen und komplizierter Kombinationen. Zur gleichen Zeit, als diese Veränderungen in der französischen Musik stattfanden, erklärte Marchettus von Padua ein ganz anderes italienisches System. In seinen beiden Abhandlungen von ungefähr 1320 -Lucidarium musikalische Fähigkeiten ("Erklärung der Kunst der nicht gemessenen Musik") und Grenzen der Musik, die gemessen werden ("Obstgarten-Garten der Kunst der gemessenen Musik") - Marchettus beschrieb ein Notationssystem sowie eine Gruppe harmonischer Praktiken, die die italienische Notation und Harmonien von den französischen unterscheiden. Bis zur Mitte des XNUMX. Jahrhunderts hatten die italienischen Komponisten jedoch ihre eigene Notation aufgegeben und die der Franzosen übernommen. Abhandlungen vom Ende des XNUMX. Jahrhunderts, wie die von Johannes Tinctoris, zeigen, dass europaweit ein einziges System von Notationen und harmonischen Praktiken angewendet wurde.

Quellen

Hugo Riemann, Geschichte der Musiktheorie. Trans. Raymond Haggh (Lincoln: University of Nebraska Press, 1962).