Dine, James („du“)

(b. 16. Juni 1935 in Cincinnati, Ohio), Maler, Bildhauer, Grafiker, Performancekünstler, Bühnenbildner und Dichter, der wie kein anderer Künstler die dynamischen Trends der amerikanischen Avantgarde-Kunst in den 1960er Jahren einfing und populär machte.

Als ältester von zwei Söhnen von Stanley Cohen, der ein Farbengeschäft besaß, und Eunice Cohen, einer Hausfrau, wuchs Dine fasziniert von den Farben und der Textur der Farbe im Geschäft seines Vaters auf. Mit fünfzehn Jahren lebte er nach dem Tod seiner Mutter bei seinen Großeltern mütterlicherseits. Dine nannte seinen Großvater Morris Cohen einen der "wirklichen Einflüsse" auf seine Kunst, weil er ein Eisenwarengeschäft besaß, in dem Dine von Objekten wie Werkzeugen, Rasenmähern, Waschbecken und Sanitärartikeln fasziniert war, die eine entscheidende Rolle in seiner Kunst spielen würden .

1952 trat Dine in die Universität von Cincinnati ein, blieb aber nur ein Jahr. Nachdem er kurz die Kunstschule des Museum of Fine Arts in Boston besucht hatte, schrieb er sich an der Kunstabteilung der Ohio University ein und erhielt 1957 ein BFA. Im selben Jahr heiratete er Nancy Minto, die er im Ohio State kennengelernt hatte. Sie hatten drei Söhne. Nach seinem Abschluss zog Dine nach Long Island, New York, wo er an einer High School Kunst unterrichtete. Er zog 1959 nach New York City, wo er an einer privaten High School in der Nähe des Museum of Modern Art unterrichtete, die er fast täglich besuchte. Er traf auch eine Reihe jüngerer Künstler, darunter Claes Oldenburg und Red Grooms, die ihn in die avantgardistische Kunstwelt einführten, die in der Innenstadt von New York als Herausforderung für die dominierende Schule des abstrakten Expressionismus entstand.

Dine erlangte sofort öffentliche Aufmerksamkeit als einer der Urheber der "Happenings" -Bewegung. Happenings, eine Reihe von Ausstellungen in Kunstgalerien, war ein Versuch, die Lücke zwischen bildender und darstellender Kunst zu schließen. Von Künstlern produziert und inszeniert, waren die Ereignisse durch ein Minimum an Dialog und durch plötzliche, oft irrationale Handlungsschübe nach langen Phasen der Inaktivität gekennzeichnet. Obwohl viele Zuschauer diese Aufführungen langweilig und unerklärlich fanden, erregten sie beträchtliche Aufmerksamkeit. Dine produzierte 1959 und 1960 vier Ereignisse. Autounfall (1960) am erfolgreichsten sein. Nach 1960 gab er die Ereignisse auf (mit Ausnahme eines Ereignisses, das er 1965 geschaffen hatte) und behauptete, dass die Anstrengung seiner Malerei Zeit gekostet habe, aber die Ereignisse ihn zu einer erkennbaren Kraft in der New Yorker Kunstszene gemacht hätten.

Dines früheste Gemälde wurden stark von den Werken von Robert Rauschenberg und Jasper Johns beeinflusst und sollten den Einfluss des abstrakten Expressionismus auf die amerikanische Kunst brechen. Wie Rauschenberg und Johns hat Dine dies erreicht, indem er Objekte in seine Gemälde aufgenommen hat. Seit seinen frühesten Ausstellungen im Jahr 1958 hatten Objekte Vorrang in seiner Arbeit. Bis 1962 nannten Kritiker seine Kunst "Objektbilder" wegen der Werkzeuge und Kleidungsstücke, die in ihnen erschienen. Zum Beispiel, Schwarze Gartengeräte (1962) zeigten echte Schaufeln und einen Rechen, der an einer großen bemalten Leinwand hängt. Wie Dine später in einem Interview mit Barbaralee Diamonstein Ende der 1970er Jahre feststellte, fühlte er sich unter "dem Druck, ständig etwas Neues zu machen und gegen den abstrakten Expressionismus zu reagieren".

Die Verwendung dieser Haushaltsgegenstände veranlasste Kritiker, Dine als Popkünstler zu bezeichnen, da die Pop-Art auch die Aufmerksamkeit auf Alltagsgegenstände richtete. Dine teilte viel mit Popkünstlern. Eines seiner wiederkehrenden Themen war eine Reihe von "Selbstporträts", die einen Bademantel zeigten, der in seinen eher heiseren Proportionen geformt war. Die Idee kam ihm aus einer Zeitungsanzeige, einer Quelle vieler Pop-Art-Gemälde, aber Dine bestritt, ein Pop-Künstler zu sein. Seine Sorge um die Textur und den Farbauftrag hatte viel mit dem abstrakten Expressionismus zu tun. Auch Popkünstler verwendeten Objekte als Objekte; Eine Seifenkiste war eine Kiste für Seife, sonst nichts. Aber Dines Objekte hatten autobiografische Bezüge; sie bedeuteten ihm etwas Wichtiges. Alle Arbeiten von Dine in den 1960er Jahren enthielten Elemente dieser Individualität. Wie er es ausdrückte: "Pop befasst sich mit Außenbereichen. Ich beschäftige mich mit Innenräumen. Wenn ich Objekte benutze, sehe ich sie als Vokabular von Gefühlen." Somit bestand eine Beziehung zwischen seiner Kunst und dem vorherrschenden Existentialismus dieser Zeit.

Nach 1962 veranstaltete Dine eine Reihe erfolgreicher Ausstellungen in europäischen Städten - Mailand (1962), Paris und Brüssel (1963) und London (1965 und 1966). Obwohl er dieselben Themen weiter überarbeitete, wechselte er zu anderen Medien. Mitte der 1960er Jahre konzentrierte er sich auf die Skulptur und produzierte Aluminiumobjekte wie Stiefel, Hände und Äxte, oft in übertriebener Form. Seine Langer Boot (1965) war zum Beispiel fast zehn Fuß hoch. Während des gesamten Jahrzehnts vermied Dine die Darstellung der menschlichen Figur, obwohl die Londoner Polizei einige Zeichnungen aus der Ausstellung von 1966 mit der Begründung beschlagnahmte, sie seien obszön. Er begann auch Gedichte zu schreiben und entwarf Sets und Kostüme für Shakespeares Sommernachts traum und Oscar Wildes Bild von Dorian Gray.

Als kleiner, untersetzter Mann mit Glatze, der sich einst als "Tatar" bezeichnete, hatte Dine einen deutlichen Einfluss auf die Kunstwelt der 1960er Jahre. Als kontaktfreudige, soziale Person schien er die Zusammenarbeit mit anderen Künstlern zu genießen. Er machte eine Reihe von Lithographien mit dem Dichter Ron Padgett und zahlreiche Collagen zum Beispiel mit dem Künstler Eduardo Paolozzi. 1967 zog Dine nach London, wo er vier Jahre lang lebte. In dieser Zeit hörte er drei Jahre lang auf zu malen und widmete seine Energie der Druckgrafik und Poesie. In seinem Interview mit Diamonstein gab er zu, dass ihm "diese avantgardistischen Ideen ausgehen". Als er wieder malte, schuf er seine Namensmalerei (1969), eine riesige Leinwand, auf die er die Namen aller schrieb, die er jemals kannte, "außer denen, die ich hasste". Er tat dies, sagte er, weil "es nur etwas sein würde, was noch niemand getan hatte."

1971 kehrte Dine in die USA zurück und zog nach Putney, Vermont, wo er bis 1985 blieb. Seitdem lebt er in New York und Connecticut. Sein Einfluss ließ in den Jahrzehnten nach den 1960er Jahren nach, in denen er auf die Verwendung von Gegenständen verzichtete und sich darauf konzentrierte, seine Zeichnung zu verfeinern und Keramik herzustellen. Offen gesagt sagte er zu Diamonstein: "Mir ist wirklich das Benzin ausgegangen. Ich konnte es nicht mehr ertragen, morgens aufzustehen und ein anderes Objekt auf einen wunderschön gemalten abstrakten Boden zu stellen."

Dine verkörperte in den 1960er Jahren einen Großteil der amerikanischen Kunst. In diesem Jahrzehnt enthielt seine Arbeit Elemente des abstrakten Expressionismus, sie spiegelte das Interesse der Pop-Art an der prosaischen Welt alltäglicher Objekte wider, war Ausdruck des Existentialismus, der in dieser Zeit unter Intellektuellen so vorherrschte, und symbolisierte die Rebellion junger Menschen, die den Status in Frage stellten quo. Dines Popularität in den 1960er Jahren lässt sich daran messen, dass er dreißig Einzelausstellungen hatte und während des Jahrzehnts an fast fünfzig Gruppenausstellungen teilnahm. 1970 veranstaltete das Whitney Museum of American Art eine retrospektive Ausstellung für ihn, obwohl er erst XNUMX Jahre alt war.

Lucy Lippard, Pop-Art (1966) bietet einen zeitgenössischen Blick auf die New Yorker Kunstwelt. Alan Solomon und Ugo Mulas, New York: Die neue Kunstszene (1967) fängt die avantgardistische Kunstwelt, in der Dine eine so zentrale Rolle spielte, wunderschön in Text und Fotografie ein. Barbaralee Diamonstein, In der New Yorker Kunstwelt (1979) enthält Interviews mit 1960 führenden Persönlichkeiten der Kunstwelt der XNUMXer Jahre, darunter Dine. Unter den vielen Ausstellungskatalogen von Dines Werken sind zwei der wertvollsten John Gordon, Jim Dine (1970) und Liesbeth Brandt Corstius, Jim Dine (1971).

Robert Hendrick