Motetten und Kanonen

Die Motette: Eine neue Lieblingsform.

Die Motette, die im frühen dreizehnten Jahrhundert entstand, entwickelte sich schnell zu einer der wichtigsten neuen polyphonen Erfindungen. In den letzten drei Jahrhunderten des Mittelalters wurde es zur bevorzugten Form für Komponisten, die mit Techniken experimentieren, die Grenzen von Form, Harmonie und Wechselbeziehung zwischen den Teilen erweitern und neue Ideen in Notation ausprobieren wollten. Von Anfang an sollte es einen besonderen Anlass markieren, und dieser Schwerpunkt nahm weiter zu, ebenso wie die Größe der Kompositionen selbst. Die Technik des Motettenschreibens selbst entstand als natürliche Erweiterung der Ersatzklauselpraxis. Wenn der Komponist einen neuen oberen Teil für den Gesangsabschnitt erstellt, anstatt den Text des unteren Teiles zu duplizieren, fügt er einen neuen Text für den neuen Teil hinzu. Der Name Motette ist eine lateinisierte Form des französischen Wortes "mot", was "Wort" bedeutet und sich auf den zusätzlichen Satz von Wörtern bezieht. In den frühesten Beispielen bezog sich der hinzugefügte Text auf den Text des Originalteils, wodurch das Gefühl beschönigt oder verstärkt wurde. Dies kann als analog zur Trope-Tradition angesehen werden (siehe oben), außer dass der ursprüngliche Text nicht mit dem neuen Kommentar unterbrochen, sondern gleichzeitig gesungen wurde.

Motettenformen und Variationen.

Das gebräuchlichste Format für eine Motette im XNUMX. und XNUMX. Jahrhundert waren drei Stimmen: zwei neue obere Melodien, die über einer geliehenen (dh bereits vorhandenen) Melodie in der niedrigsten Stimme komponiert wurden. Die niedrigste Stimme, die aus einem Gesang (oder später aus einer anderen Komposition) entlehnt wurde, wurde als die bezeichnet Tenor, aus dem Lateinischen tenere bedeutet "halten" und bezieht sich auf das Organum, in dem die Gesangsnoten verlangsamt wurden - das heißt, für eine längere Dauer "gehalten". Die nächste Stimme hieß Alt und bedeutete "hoch", und die höchste war die Sopranistin aus Italien oben, was "oben" bedeutet. Kurz nach seiner Erfindung im frühen dreizehnten Jahrhundert begannen Komponisten, mit der Motette zu experimentieren, und die Form nahm schnell eine Reihe verschiedener Genres und Variationen an. Von ihrem eher bescheidenen und unterwürfigen Beginn als Ergänzung zu einer Gesangssektion wurde die Motette schnell zu einer völlig eigenständigen Komposition, die an bestimmten Stellen innerhalb der Liturgie, beispielsweise bei der Kommunion, durch Gesänge ersetzt werden konnte. Zuerst wurde der unterste Teil, der Tenor, normalerweise aus einer vorhandenen heiligen Quelle ausgewählt, und der Text des hinzugefügten Teils war mit dem des Tenors verwandt. Viele Motetten waren jedoch für Aufführungen außerhalb der Liturgie konzipiert, von denen einige offensichtlich für eine weltliche Umgebung gedacht waren. In diesen war der Tenor nicht unbedingt aus einer heiligen Quelle, noch waren die hinzugefügten Texte in lateinischer Sprache; Die Umgangssprache (dh die Sprache der Region) könnte ebenfalls verwendet werden. Und das Thema der neuen Texte, selbst für diejenigen, die auf heiligen Tenören basieren, ist manchmal entschieden erdige Themen. Dies war Musik für eine gebildete Klasse, die sich über die Raffinesse der subtilen Querverweise zwischen den Texten sowie über ihr harmonisches, melodisches und rhythmisches Zusammenspiel freute.

Ein musikalisches Puzzle

Einführung: Ein Puzzle-Kanon ist ein Beispiel für die Art von intellektuellen "Spielen", die Komponisten im Spätmittelalter häufig verwendeten. Im Beispiel hier "Agnus dei" aus dem Missa der bewaffnete MannDas Symbol ganz links in der Stabzeile ist ein Notenschlüsselzeichen, das F in der mittleren Zeile markiert, und die vertikale Gruppierung von vier Symbolen unmittelbar vor dem Beginn der Musik in der oberen Zeile entspricht den vier Teilen, die gesungen werden. Die Musiker "lösen" das Rätsel, indem sie den Markierungen am Anfang der Musik folgen, die sie anweisen, dieselbe Melodie mit vier verschiedenen Geschwindigkeiten und Tonhöhen zu singen und daraus eine vierteilige Komposition zu machen. Das Ergebnis für den Eröffnungsabschnitt wird auf der gegenüberliegenden Seite transkribiert.

Komplexität und Rätsel.

Die Motette wurde normalerweise als Format ausgewählt, um die Komplexität von Melodie, Rhythmus und Tempo in kompositorische Strukturen einzuführen. Die ursprüngliche Idee von simultanen Wortgruppen, die aufeinander spielten, legte den Komponisten nahe, dass solche intellektuellen "Spiele" auch auf die eigentliche Konstruktion der Musik ausgedehnt werden könnten. Die interessanteste und langlebigste dieser Techniken ist bekannt als Isorhythmusein Gerät, bei dem eine bestimmte rhythmische Sequenz mehr oder weniger willkürlich ausgewählt wird und die Melodie dann in der gewählten rhythmischen Sequenz gesungen wird, wobei der Rhythmus genau in der gesamten Komposition wiederholt wird. Verfeinerungen und Variationen beinhalten, ob die rhythmische Sequenz mit der Länge der melodischen Phrasen übereinstimmt oder nicht und wie viele Stimmen einer Komposition im Isorhythmus eingestellt sind. Eine der spektakulärsten Darstellungen der isorhythmischen Technik findet sich in der vierstimmigen Motette Ich bin der Heilige Geist gekommen - ich bin der Schöpfer gekommen von John Dunstaple. Der Komponist schreibt alle vier Stimmen in verschiedenen isorhythmischen Mustern, die nicht mit dem melodischen Material übereinstimmen, und verkompliziert dann die Struktur weiter, indem er das Tempo jedes Abschnitts des Stücks mithilfe von Tempozeichen beschleunigt, die auf einem mathematischen Verhältnis basieren. Das Auferlegen solch strenger formaler Mittel hat das Potenzial, die künstlerische Kreativität zu unterdrücken, aber in den Händen eines talentierten Komponisten wie Dunstaple ist das Produkt sowohl ein musikalischer als auch ein technischer Triumph Tour de Force.

Canon

Ein weiteres Kompositionsinstrument auf der Ebene eines intellektuellen Spiels, das auf polyphone Musik angewendet wurde, war Kanon (Kanon = Regel), bei dem die Darsteller ein Rätsel lösen mussten, das entweder in Worten oder in Symbolen dargestellt wurde, um die Komposition auszuführen, von der nur ein Teil tatsächlich niedergeschrieben wurde. Die schriftliche Form enthielt kryptische Anweisungen zum Ableiten eines hinzugefügten Teils von dem, was bereits auf der Seite vorhanden war. "Weinen ohne Unterlass", zum Beispiel die einzige Richtung, die für eine solche Komposition angegeben ist, führt zur Hinzufügung eines vollständigen zweiten Teils, wenn ein Sänger nur die Noten, aber nicht die Pausen spielt, während ein anderer Sänger die Zeile genau so spielt, wie sie geschrieben wurde, einschließlich seine Pausen. Auf einer ähnlichen Ebene sind die Kompositionen nur als ein Teil mit mehreren verschiedenen Symbolen geschrieben, die das Tempo anzeigen (sogenannte Mensurzeichen), was zu einer polyphonen Komposition führt, wenn das Stück gleichzeitig mit unterschiedlichen Tonhöhen und Geschwindigkeiten aufgeführt wird. In der Abbildung "Puzzle-Kanon" geben die Mensurzeichen an, dass die Melodie wie folgt gesungen werden soll (die erste Note beginnt dort, wo sich das Zeichen selbst befindet).

Der oberste Teil NA beginnt auf hohem D und geht in doppelter Zeit weiter.

Der nächste Teil ○ beginnt bei G und wird dreifach fortgesetzt.

Der nächste Teil NA3 beginnt mit dem unteren D (der tatsächlich notierten Tonhöhe) und geht in einer schnelleren Dreifachzeit weiter.

Der untere Teil NA beginnt bei niedrigem G und setzt sich in einer langsamen Doppelzeit fort.

Runden und Fänge.

Andere Musikformen verwendeten ebenfalls das Instrument des Kanons in der Aufführung, obwohl es normalerweise nicht so kompliziert ist wie die in der Motette verwendeten. Das offensichtlichste davon ist das "runde" Format, in dem eine einzelne Musiklinie für aufeinanderfolgende Anfänge nach Art der bekannten "Frère Jacques" oder "Drei blinden Mäuse" markiert ist. Eine Variation davon findet sich im Repertoire Frankreichs und Italiens aus dem XNUMX. Jahrhundert, bekannt als chace (Französisch) oder Jagd (Italienisch). Das Wort bezieht sich wörtlich auf eine Jagd, ist aber unter einem oberflächlich naiven Text dünn verhüllt und hat immer eine erotische Doppelbedeutung. Da die zweite Stimme später als die erste eingeht, aber am Anfang beginnt, befinden sich die Sänger immer an verschiedenen Stellen im selben Text und in derselben Melodie. Der Komponist konstruiert die melodische Linie geschickt so, dass Wörter aus einer Zeile zwischen denen einer anderen eingestreut werden, wodurch eine völlig neue Bedeutung entsteht, die nicht durch bloßes Betrachten des Textes selbst gesehen werden kann. Diese sind sehr unterhaltsam zu hören, viele von ihnen enthalten onomatopöische Geräusche wie Hundebellen oder Trompetengeräusche. Der englische "Fang" des XNUMX. Jahrhunderts ist mit dieser Form verwandt.

Quellen

Andrew Hughes, Stil und Symbol: Mittelalterliche Musik: 800–1453 (Ottawa: Institut für mittelalterliche Musik, 1989).

Reinhard Strohm und Bonnie J. Blackburn, Hrsg., Musik als Konzept und Praxis im Spätmittelalter. Die neue Oxford-Musikgeschichte 3.1 (Oxford: Oxford University Press, 2001).

Jeremy Yudkin, Musik im mittelalterlichen Europa (Englewood Cliffs, NJ: Prentice Hall, 1989).